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James Wong Howe: un director de fotografía valiente finalmente obtiene lo que le corresponde

James Wong Howe: un director de fotografía valiente finalmente obtiene lo que le corresponde

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El director de fotografía chino-estadounidense James Wong Howe era un joven industrioso y itinerante. En el lenguaje moderno, era un estafador, pero también lo eran todos en los primeros años exploratorios del cine, cuando la incipiente industria cinematográfica producía docenas de títulos cada semana. Durante la década de 1910, los directores de cine mudo que ganaron elogios, como DW Griffith y Cecil B. DeMille, parecían ascender a través de una astuta visión para los negocios, una falsa confianza y buena suerte.

Wong Howe tenía todas esas cosas, pero era más valiente, tenía que serlo. Estaba claro en la innovación ilimitada e imprudente de su trabajo; su reputación como perfeccionista supremo; y su éxito y estatus respetado en una industria que prácticamente no vio lugar para artistas de ascendencia asiática. James Wong Howe era el desafío personificado.

Su carrera de décadas, que abarcó la era del cine mudo, la edad de oro de Hollywood y el renacimiento del Nuevo Hollywood de las décadas de 1960 y 1970, fue emblemática de un espíritu creativo que persistió a pesar de las modas cambiantes, los trastornos de la industria y las prácticas discriminatorias. Revolucionó la forma en que las películas se comunicaban visualmente, desarrollando nuevas técnicas que podían transmitir sentimientos sin necesidad de palabras o incluso de actores, como el uso expresionista de lentes gran angular y ojo de pez en el drama de ciencia ficción de intercambio de cuerpos de John Frankenheimer, “Seconds (1966); o una de las primeras tomas aéreas en los momentos finales de la comedia romántica en tecnicolor de Joshua Logan “Picnic” (1955).

Estos y otros ejemplos de la destreza fotográfica de Wong Howe se pueden ver en una serie continua dedicada a su trabajo que se extenderá hasta el 26 de junio en el Museo de la Imagen en Movimiento en Queens.

James Wong Howe nació como Wong Tung Jim en Kwantung, China, en 1899. A principios del siglo XX, su padre emprendedor lo llevó a Pasco, Washington. Allí experimentó el racismo, aprendió a boxear y comenzó a jugar con las cámaras antes de que la muerte de su padre, en 1914, desencadenara un período de deriva. No muy diferente del personaje clásico de Charlie Chaplin, el Vagabundo, Wong Howe era un extraño en el juego que tropezaba de desventura en desventura. Fue a Oregón, San Francisco y luego a Los Ángeles, donde Jimmie Howe, de 18 años, finalmente consiguió un trabajo en el personal de limpieza de Lasky Studios.

A DeMille le gustó Jimmie; le divertían las camisas floreadas del joven, el contraste entre su pequeña estatura y los cigarros descomunales que fumaba en el set. Wong Howe no fue pasivo; parecía tomar el asunto del color de su piel como un desafío. En su tiempo libre, comenzó a familiarizarse con el equipo del estudio y practicó la toma de fotografías con una cámara fija. Pronto, fue ascendido a asistente de cámara.

Nadie en ese momento era lo que hoy podríamos considerar un experto en cámaras de buena fe. La gente aprendía en el trabajo, improvisaba y experimentaba con las nuevas tecnologías, por lo que los miembros del equipo que se distinguían eran los que encontraban soluciones creativas a los problemas que surgían en el plató. Este fue el fuerte de Wong Howe y la fuente de su primera gran oportunidad. La actriz Mary Miles Minter, impresionada por los retratos que Wong Howe hizo de ella, insistió en que filmara su próxima película. Había ideado una solución que podía evitar que sus ojos azules se volvieran blancos ante la cámara, un problema causado por la película ortocromática sensible al azul que se usaba en ese momento. A partir de entonces, su reputación de formidable camarógrafo quedó asegurada.

Wong Howe no era el único artista asiático que pasaba el rato en los lotes traseros del estudio. Estaba el actor de origen japonés Sessue Hayakawa. La aplicación en pantalla de Hollywood de las leyes contra el mestizaje lo restringió a interpretar papeles de amantes prohibidos o tipos sádicos de Svengali, pero su popularidad entre las mujeres blancas hizo de él una presencia rentable. Luego estaba la actriz chino-estadounidense Anna May Wong, una actriz de reparto de referencia cuando la industria del cine comenzó a montar producciones más grandes y espectaculares en escenarios “exóticos”. Wong Howe, de hecho, la filmaría en uno de sus primeros papeles importantes, como la princesa indígena Tiger Lily en “Peter Pan” de Herbert Brenon.

Pero el renovado sentimiento anti-asiático y el Código de Producción de la década de 1930, que ahogó la representación de las relaciones interraciales, disminuyó aún más la voluntad de la industria de trabajar con artistas de ascendencia asiática. Wong Howe inicialmente se tambaleó durante este período, pero su trabajo, en particular su inclinación por la iluminación dramática y de alto contraste, que le valió el apodo de “Low-key Howe”, habla por sí mismo. Su pantalla dividida le permite al Mayor Rassendyll de Ronald Colman hablar directamente con su doble en “El prisionero de Zenda” de John Cromwell (1937), y las escenas de lucha que filmó en “Me hicieron un criminal” de Busby Berkeley (1939) son tan visceral que casi puedes sentir los golpes de los guantes de boxeo.

Aunque la prensa lo adoraba, qué novedad que un hombre asiático pudiera ser tan talentoso. y Tan lleno de personalidad y respetado por sus colaboradores, Wong Howe a menudo fue despreciado por los miembros blancos de la tripulación bajo su mando. Se enfrentó a leyes y prejuicios que lo relegaron a una ciudadanía de segunda clase durante toda su vida. Durante la Segunda Guerra Mundial, usó un botón que decía “Soy chino” para evitar el acoso si alguien pensaba que era japonés. Aunque había estado viviendo en los Estados Unidos durante casi cuatro décadas, la Ley de Exclusión China de 1882 le prohibió obtener la ciudadanía; sin él, se vio obligado a rechazar interesantes oportunidades creativas, como unirse al equipo de documentales de guerra de John Ford.

Quizás lo más devastador fue su matrimonio con la novelista Sanora Babb; la pareja se casó en París en 1937, pero las leyes contra el mestizaje de California y la cláusula de moralidad de los estudios les impidieron hacerlo público hasta décadas después. Por su presunta asociación con los comunistas de Hollywood, el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes del Senador Joseph McCarthy lo puso en la “lista gris”; Wong Howe se mantuvo al margen de la política la mayor parte del tiempo, pero no ayudó que China se hubiera convertido en un estado comunista.

Aún así, continuó durante los precarios años 40, trabajando con Fritz Lang en el provocador thriller de guerra “Hangmen also die!” .”

Las imágenes de Wong Howe son sublimes, su juego expresivo de luces y sombras evoca conflictos morales de la nada. Volvió a imaginar Nueva York con un estilo sombrío y de otro mundo con “Sweet Smell of Success”, el drama de Alexander Mackendrick de 1957 sobre un periodista vicioso, una obra que muchos consideran la obra maestra de Wong Howe. Recubrió las paredes del interior con aceite para darles un brillo surrealista y usó lentes de enfoque largo para hacer que los edificios parecieran agrupados, enfatizando una sensación de delirio claustrofóbico.

Hay pocas personas cuyo trabajo marcó el comienzo de manera tan comparable en la transición del cine de un mero espectáculo de diez centavos a una forma de arte. Aun así, Wong Howe tenía hambre. Desde la década de 1920, había querido dirigir, y aunque se le dio la oportunidad en forma de documentales encargados y películas “B”, sus verdaderas ambiciones fueron negadas con demasiada frecuencia. Había un proyecto sobre tiradores de rickshaw en China, así como un guión que escribió con Babb sobre el barrio chino de San Francisco, pero ambas ideas finalmente se abandonaron por falta de financiación. Si solo puede ver una proyección en el Museo de la Imagen en Movimiento, conviértala en el único largometraje de dirección de Wong Howe, “Go, Man, Go!” (1954), protagonizada por Sidney Poitier y Ruby Dee en un drama sobre los Harlem Globetrotters. Es una producción básica, pero el valor y el espíritu de algo aún mayor estaban justo debajo de la superficie, como el propio Wong Howe.

Wong Howe no negó sus raíces chinas. Durante un tiempo, dirigió un popular restaurante chino frecuentado por Marlene Dietrich, Mickey Rooney y Tyrone Power. Y en sus últimos años, comenzó a usar ropa tradicional china. En el estudio de 1981 de Todd Rainsberger sobre el director de fotografía, queda claro que Wong Howe, quien murió en 1976, anhelaba crear un retrato más expansivo de la americanidad, uno que se sintiera fiel a él, si no a sus empleadores. Fue uno de los grandes directores de fotografía estadounidenses y dos veces ganador del Oscar, pero quería más porque sabía que se lo merecía. Tal era su desafío.

“Cómo se hace: el cine de James Wong Howe” estará abierta hasta el 26 de junio en el Museo de la Imagen en Movimiento en Astoria, Queens. Para obtener más información, visite www.movingimage.us.

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